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CRÍTICA ESTÉTICA DE OBRAS DE ARTE

“Un pintor es un hombre que pinta lo que vende. Un artista, en cambio, es un hombre que vende lo que pinta.” Pablo Picasso

En este pequeño artículo encontrarás comentarios acerca de cuatro obras artísticas que he seleccionado de diversos autores y que voy a criticar estéticamente según mis gustos y las sensaciones que estas me provocan.


La ópera de Sidney, Jorn Utzon

Esta obra arquitectónica construida en 1959 es cuanto menos curiosa. Lo que más me llama la atención del edificio son las cubiertas, que me resultan parecidas a lo que sería una flor que va desprendiendo sus pétalos, pero quizás es algo chocante el hecho de que sean completamente blancas y lisas. Esto me genera cierto aburrimiento, pues creo que me llamaría más la atención si hubiera algún elemento decorativo o si fuera algo más colorida. Además está ubicada sobre una plataforma gris, que me parece que no le hace nada de justicia al edificio e incluso lo empeora.

Ninfas bailando al son de la flauta de pan, Joseph Tomanek

Este cuadro fue pintado en 1920 en Chicago y pertenece a una colección privada. Me gusta mucho esta obra ya solo por la escena principal, que son unas ninfas bailando desnudas alrededor del fuego, me transmite un sentimiento de felicidad, de querer participar en la fiesta y bailar con ellas. Además me da una sensación de empoderamiento y de unidad entre mujeres, apoyándose unas a otras y ayudándose a brillar mutuamente. También en la esquina izquierda puede verse una figura de un hombre que supongo que es el que está tocando la flauta de Pan. Puedo imaginar perfectamente la melodía en mi cabeza, de aire fantástico o incluso medieval. Quizás el fondo del cuadro es lo que más me choca, ya que aunque es de noche, el cielo nublado y oscuro o el hecho de no tener casi una referencia del lugar me provocan inseguridad.


Mujer con bonito sombrero y estrella, Miró

Este cuadro fue pintado en 1978 en Barcelona. A simple vista podría pensar que este es un dibujo hecho por un niño pequeño por la forma casi abstracta del cuerpo de la mujer, por las pinceladas revueltas de ese fondo azul o por la estrella y el círculo dibujados a los laterales. Esto es algo que no me llama la atención. No me atrae porque siento que hay poca información que mi mente pueda sacar del dibujo. Me parece una obra muy simple también por el uso de los colores primarios y el negro para el grueso delineado. Enlazo la silueta con los típicos monigotes de seis rayas como cuerpo y un redondel como cabeza que todos hemos hecho alguna vez, por lo que también me parece una obra simple y poco destacable que podría hacer cualquier persona.

Ophelia, Friedrich Heyser

De este cuadro no se sabe bien dónde se pintó ni la fecha exacta, lo que se sabe es que fue antes de 1921, cuando el autor falleció. Esta pintura me encanta y me transmite varias sensaciones a la vez. Por un lado me provoca una sensación de paz, de tranquilidad, casi siento el correr del agua por el cuerpo y el agradable sentimiento de soledad, rodeada del silencio de la naturaleza. Por otro lado también me genera sensación de tristeza, tal vez por su rostro y su posición corporal, como desolada, cansada de llorar. Además parece incluso que esté muerta por esto mismo. Me gusta mucho la composición del cuadro, la serenidad, y los colores utilizados, sobre todo en la naturaleza que rodea a la mujer.

 

Para leer acerca de estos cuadros:

  • Enlace 1 (Historia y curiosidades de la Ópera de Sidney)
  • Enlace 3 (Obras distintas de Joan Miró)
  • Enlace 4 (Sobre la historia en la que está basada el cuadro Ophelia)
 

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 COLOR Y FORMA

Críticas y opiniones personales sobre obras de arte de distintas épocas.

“Hay cosas en el color que surgen en mí mientras pinto, cosas grandes e intensas”. (Vincent Van Gogh)

En este artículo, expresaré mis opiniones personales acerca de distintas obras, hablando entre otras cosas de las sensaciones que me provocan o los significados ocultos de las mismas, sin dejar de lado el título.


"El jardín de las delicias"

Esta famosa obra de El Bosco, famoso pintor renacentista del siglo XVI, no ha dejado indiferente a nadie, entre otras cosas dado a su gran popularidad. La impresionante aglomeración de figuras es lo primero en lo que podemos fijarnos al ver el cuadro, con pequeños detalles en cualquier parte del mismo (como los instrumentos musicales en el infierno o los pecados en la parte central). Eso es lo que me fascina de esta obra, aparte de todos sus significados y del dinamismo que ofrece el formato de tríptico en el que está pintado. Los colores, formas y elementos que lo componen me llaman mucho la atención y convierten este cuadro en casi un juego visual para mí.

"La terraza de Sainte-Adresse"

Obra de Claude Monet, pintor francés impresionista del siglo XIX, en la que podemos observar una terraza en una costa española con un precioso paisaje marítimo y varias personas que disfrutan del mismo. Me fascina este cuadro por las emociones que me provoca, ya que al mirarlo puedo sentirme dentro de él, en un idílico paisaje pintado con manchas de color prácticamente, rasgo que hace atractiva a la obra, pues su autor fue de los primeros pintores impresionistas. Tan solo pequeñas pinceladas la conforman, y eso -mezclado con los contrastes que generan la burguesía y el comercio marítimo en ese entorno tan veraniego o apacible- hace que este cuadro me transmita distintas sensaciones positivas.

"Sin título"

Esta obra de Vasili Kandinski, pintor ruso precursor del arte abstracto, se encuentra expuesta en el museo Thyssen de Madrid. Es una acuarela sobre papel que también combina tinta. Formas puramente abstractas compuestas libremente con elementos geométricos, semi-curvas y rectas que se entrecruzan como espadas, distintas texturas o amagos de otros elementos…; demasiado caos para una obra. El autor combina todos estos elementos a su gusto, en un principio sin seguir ningún patrón (rasgo típico del estilo). No la considero desagradable a la vista, pero a mí parecer hay demasiados componentes para una pintura que, incluso tras analizarla detalladamente, no dejará de alejarse demasiado de lo prosaico.

"La tentación de San Antonio"

Esta pintura al óleo del famoso pintor español Salvador Dalí representa una serie de animales caminando por un desierto hacia San Antonio, quien se protege de éstos con una cruz en la mano. La componen muchos colores fuertes y marcados, así como formas y líneas dinámicas y agresivas. Según distintas fuentes, se trata de la representación de las tentaciones hacia el santo, de una manera bastante surrealista, con rasgos como el erotismo, misticismo, la espiritualidad, ciencia, la atemporalidad… Esta obra me genera bastante incertidumbre, principalmente por la mezcla de imágenes oníricas e incluso violentas, y aunque no podemos observar la cara de San Antonio, seguro que también se siente abrumado ante semejante suceso.

 
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LOS PELOS DE PUNTA

¿Qué sensaciones me producen estas obras? ¿Serán buenas o malas?

A continuación realizaré una crítica estética de cada obra elegida. Explicaré qué me hace sentir, tanto sentimientos buenos como malos, porque toda obra te hace sentir algo, aunque sea un mínimo sentimiento.

“La belleza artística no consiste en representar una cosa bella, sino en la bella representación de una cosa” - Immanuel Kant

“Las tres hermanas en la playa” de Sorolla

Se trata de una pintura extraordinaria, muy moderna, que realizó Sorolla en 1908. Digo que es extraordinaria, porque me encanta el uso de esos colores claros, que me producen calma y tranquilidad, por esos delicados trazos de colores, sin que el dibujo sea el predominante, sino que sean los colores los que creen esa escena. Este cuadro es uno de mis favoritos. Me encanta que a simple vista parezca simple, pero si te fijas bien en él, te das cuenta de todos esos pequeños detalles hechos con el pincel, esos pequeños trazos que se dirigen cada uno a un lado distinto y que hacen que tenga más vida. Me gusta también mucho el poco recargamiento del cuadro, que se vea claro el tema, ese tema cotidiano que en principio parece plano, como si no tuviese un trasfondo..., aunque esas miradas hacia sus pies, la arena y las olas del mar es como si me indujeran a otros pensamientos, como si hubiese algo más. Es como si me obligaran a soñar e imaginar más sobre esta.

Catedral de Siena

Esta obra es una arquitectura con mezcla clásica y gótica. Es de finales del siglo XII, de Italia, donde el Gótico se caracterizaba por ser más clásico, además de añadir la policromía. Esta obra me gusta mucho por lo peculiar que es. Se sale de lo que sería el Gótico en toda su esencia, es más diferente al resto; el no tener tantos elementos decorativos aglomerados en su fachada hace que me atraiga más. Me gusta mucho que esté hecha de mármol, lo que hace que sea más clara, más atractiva a mi parecer. Ese conjunto de elementos clásicos como sería el arco de medio punto, el uso del mármol como elemento decorativo, la cúpula totalmente clásica detrás, con esos elementos más góticos como la decoración de la fachada, los pináculos, la apariencia lujosa, etc, es lo que me cautiva, lo que me hace poder mirarla mucho rato sin cansarme. Pero lo que más me agrada de esta obra es la policromía de su fachada. Me parece un conjunto precioso con esos colores cálidos, que no desentonan y no llaman demasiado la atención; me parece precioso cómo queda el conjunto con el color del mármol y sus decoraciones exteriores.

“El hombre controlador del universo” de Diego Rivera

Es un mural de Diego Rivera ejecutado en 1934. Esta obra me produce todo lo contrario a las anteriores. Me agobia bastante la aglomeración de figuras por todas partes. No sabría bien dónde mirar, hay demasiados detalles en los que centrarse. No me gusta ese conjunto de colores tan oscuros, ni el poco uso de profundidad. Me parece un cuadro muy plano, sin mucha dimensión. También me resulta estresante el conjunto tan diverso de figuras colocadas de cualquier forma en el cuadro  (seguramente tenga algún sentido, aunque yo no lo encuentre), como esas esculturas de mármol, las máquinas,etc. También me parece un cuadro como muy “negativo” por ese uso de colores tan oscuros, como si lo que quisiera expresar el pintor no fuese nada bueno, como si estuviera angustiado.

“Saturno devorando a sus hijos” de Goya

Este cuadro es una pintura de Goya, que pertenece a sus pinturas negras, hechas tras 1814. En esta fase, Goya empieza a pintar con mucho pesimismo tras quedarse sordo, cambia su estilo de pintura a uno mucho más tenebroso e inquietante. Yo tengo sentimientos encontrados son estas pinturas suyas y también con este cuadro. Hay una parte que me parece atractiva y que sería ese tenebrismo tan gore, ese punto que le distingue, pero es solo por el mero hecho de que es distinto. Esta pintura en concreto me produce mucha angustia y tristeza; ver a ese niño desgarrado y cómo Saturno no siente nada al hacerlo me resulta desolador, es como si quisiera hacer algo para impedirlo (pero claramente es imposible). Ese realismo conseguido a base de manchas de colores es extraordinario. También es bastante espeluznante ver cómo supo expresar tan bien el tema del cuadro; esto es tanto impresionante como inquietante. Goya es el típico pintor que es capaz de -con unas manchas de color en un lienzo- hacerte sentir muchas cosas, cosas muy variadas. Es capaz de expresar lo que siente a través de sus cuadros, algo que no es nada fácil.

Estas obras tienen belleza, Cada una tiene una belleza propia, y gracias a ella somos capaces de sentir tantas cosas tan solo con admirarlas. Es imposible que todas las obras nos gusten o nos hagan sentir lo mismo, y eso es bueno, ya que siempre habrá obras que puedan hacerte sentir cosas totalmente distintas.

PARA LEER MÁS SOBRE DIEGO RIVERA

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Sensaciones artísticas

Críticas estéticas sobre algunas pinturas realizada por una estudiante.

Reflexión personal sobre qué emociones generan los paisajes surrealistas de Dalí, o qué significado pueden tener tres latas de Coca Cola entre otras.

"Un buen crítico es aquel que narra las aventuras de su propia alma entre las obras maestras" - Antole France

 

La persistencia de la memoria, Salvador Dalí

Esta es una pintura realizada por Dalí en 1931. La manera en la que los relojes se hallan derritiéndose me provoca una emoción algo pesimista, expresando el paso irremediable del tiempo. Esa sensación, sin embargo, parece menos preocupante con el uso de los colores cálidos y anaranjados. Al mismo tiempo, creo que al mezclar la idea del paso del tiempo con los relojes a medio derretir y con el paisaje de la playa como fondo, crea una imagen irreal, siguiendo la línea surrealista. Al verlo, da la sensación de estar dentro de un sueño, en un mundo diferente, fantástico. El mar al fondo me sugiere un mundo lejano y misterioso, en un nivel más allá del sueño, lo desconocido. Por otro lado, la figura que se encuentra en el medio del cuadro con un reloj sobre ella, también da un aire misterioso. Es similar a una cara, pero al mostrar solo una parte de ella genera interés por verla entera.

Tres botellas de Coca Cola, Andy Warhol

Esta obra realizada por Andy Warhol en 1963, de su colección de Coca Cola, me resulta innovadora al pintar algo tan cotidiano. El verde/azul brillante que usa para ello me resulta chillón y contrasta con las letras rojas. Con esta creación, el artista pretendía mostrar cómo cualquier persona (independientemente de su situación económica) consume Coca Cola, un producto popular y accesible para todos. Personalmente, creo que puede haber tenido un impacto publicitario al intentar lanzar el mensaje de igualdad social de todas las personas ante el producto.Sin embargo, como obra de arte no me transmite nada más allá de ese mensaje  publicitario, que se centra en un aspecto superficial del consumo. Creo que podría haber aprovechado esta situación para denunciar las desigualdades económicas en lugar de trivializarlas.

The goldfish window, ChildeHassam

Con esta pintura, impresionista de 1916, el autor me hace admirarle al captar mi atención atrapándome por completo en el cuadro. El uso de los colores me cautiva, con verdes y amarillos muy vivos e intensos en el exterior, y marrones y otros colores más suaves en el interior. Además, me hace querer saber más sobre lo que ocurre en el cuadro: la mujer no deja ver su expresión, y está mirando a algún punto del paisaje, o a los peces sobre la mesa… ¿qué estará mirando? Los peces nadan dentro de la pecera, y fuera, la ventana entreabierta deja ver un poblado bosque, sugiriendo un lugar lleno de vida y tal vez magia.

Guernica, Pablo Picasso

Este curioso cuadro de Picasso data en 1937, cuando la Legión Cóndor  bombardeó la ciudad de Guernica en la Guerra Civil española. El espacio está lleno de figuras un poco extrañas, hechas mediante figuras geométricas. Me transmite una sensación caótica, parece que están sucediendo tantas cosas que no sé a dónde mirar. Casi todas las figuras (personas y animales) tienen expresiones de sufrimiento o dolor. Me hace sentir intranquila, y si la imagen se pudiera escuchar, me hace pensar que sería muy ruidoso y agobiante. Quizás es esa la emoción que quiere dar el pintor, evocando lo que él sentía con esa situación de la guerra.

Más información:

La persistencia de la memoria

Tres botes de Coca Cola

The goldfish window

Guernica

 

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